艺术市场上，我们常常看到一幅画作动辄上千万、上亿元。

现在最贵的画作已经达到30亿元人民币。而且，这个价格还可能继续攀升，不断挑战我们的想象力。真的是，艺术品的价格，没有最贵，只有更贵。

一幅幅画作怎么就成为了价格高昂的投资品呢？

其实，这也是经过了一条漫长的路。这条漫长的路，我认为有三个重要阶段，分别是： 文艺复兴时期；十九世纪末期；二十世纪末至今。

 

█    文艺复兴:往艺术里加点科学

 

一件艺术作品，要让人觉得有价值，首先就得地位尊崇，自带光环。

文艺复兴以前，无论是原始艺术，还是后来美轮美奂、灿烂辉煌、照耀千古的古埃及、古巴比伦、古希腊、古罗马艺术，创造主要是由奴隶或者匠人完成。这就给艺术作品打上了低贱的烙印，还谈什么价值呢？

提升艺术的价值，首要任务就是甩掉“绘画是由低贱的人创作的”这个耻辱的标记。

文艺复兴时期，艺术家开始思考如何提高绘画的地位，提高艺术家的社会地位。这也是当时艺术家内心普遍的焦虑。

解决这一问题有一个关键人物，就是达·芬奇。他采取的方式是：艺术+科学。因为在当时，只有以数学、几何为代表的科学才被认为是值得研究的学问。

所以，只有在绘画中引入掌控自然界的数学规则，才能让绘画成为与几何、音乐、修辞和天文学平起平坐的高雅艺术，而不被视为一种低下的手工技巧。

15世纪的佛罗伦萨学者圈子，都在积极讨论理性、几何和数学在艺术中扮演的角色。达·芬奇作为集画家、雕刻家、建筑师、音乐家、数学家、工程师、解剖学家、植物学家等身份于一身的超级复合型人才，把科学/数学应用到艺术上，成就他提升绘画地位的使命。

达芬奇说：“那些投身于艺术实践却不懂科学的人，就像是水手置身大海却没有船舵或罗盘，永远不知道自己在前往何处。”

达·芬奇将艺术+科学实现完美融合的代表作品有三幅，分别是：《维特鲁威人》、《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》。

《维特鲁威人》的绘制来源于古罗马著名建筑师维特鲁威的著作《建筑十书》中一段非常著名的话：

在一座庙宇中，各部分与整体之间都应是和谐的对称关系。人体的中心点是肚脐。如果一个人仰卧，手脚伸展，以肚脐为圆心，用圆规画圆，那么他的手指和脚趾正好触及这个圆的圆周。在人体上除了能画出圆形，还可以画出一个正方形。如果我们测量这个人从脚跟到头顶的距离，然后用这个长度去比照他双臂展开的宽度，会发现二者相等，就像正方形的边长一样。

但是直到文艺复兴时期，还没有人把维特鲁威的描述变成精确的图像。

1490年左右，达·芬奇和他的朋友弗朗切斯科·迪·乔治、贾科莫·安德烈亚分别绘制了这个在教堂和宇宙中伸展四肢的人体形象。

 

将他们绘制的图像做一个对比，就会看出弗朗切斯科·迪·乔治和贾科莫·安德烈亚绘制的《维特鲁威人》显得粗糙、随意，比例关系也不是非常精确。

弗朗切斯科·迪·乔治的《维特鲁威人》

贾科莫·安德烈亚的《维特鲁威人》

 

而达·芬奇的《维特鲁威人》，无论从科学的准确性还是艺术的独特性，都达到一个完全不同的境界。它呈现了艺术与科学融合的典范，把一种理想的人文主义精神，以及个体的尊严、价值和理性思维展现到了极致。

后世认为达·芬奇的《维特鲁威人》是最完美的男人，我们这些凡人一看到它，就会思考那些永恒的问题：我们是谁，我们如何居于宇宙的宏大秩序之中。

达芬奇的《维特鲁威人》

《蒙娜丽莎》可以说是地球上知名度最高的画作。每年前往卢浮宫看这幅画的人有600多万！《蒙娜丽莎》为什么那么迷人？

艺术与科学的融合是打动人心的关键。首先就是黄金分割。

还有她那著名的神秘微笑。当你看这幅画时，你会不由自主将视线集中在嘴唇，你以为这是随意为之的吗？那你就错了。

如果以蒙娜丽莎微微上扬的嘴唇形成的弧线画下去，就会形成一个圆，这个圆就会与双眼的外角相连。而头的轮廓，又是按照另一圆形的弧线所画，这个圆形的直径正好比按嘴唇弧线画出的圆形大一倍。

就是这两个圆形，让你的视线首先就会集中在她的嘴唇上。

另外一幅神作《最后的晚餐》，是焦点透视和几何科学的大集合。

历史上，那么多画家画了《最后的晚餐》，但只有达·芬奇的《最后的晚餐》成为举世闻名的杰作，主要就是因为科学规则的应用。

这幅画是焦点透视的典范之作。透视的灭点，即视线“趋向和汇聚”的位置集中在耶稣的前额，从而在平面上创造出三维空间，犹如真实场景的再现。

这幅画还以几何图形为基础设计画面，耶稣被画成等边三角形，坐在正中间，摊开双手镇定自若。周围的十二门徒，每三人一组，分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次，完美体现出数学的对称美、和谐美。

达·芬奇胜利了！

通过“艺术+科学”的方式，将绘画与数学和抽象思想关联起来，成功提高了绘画的地位，也为画家找到了新的位置。就像阿尔贝蒂所说：“其他所有的艺术家都被称为匠人，只有画家不在此列。”

“艺术+科学”成为一种强大的规则，以完美的素描，严格的比例，精准的透视，解决了艺术模仿自然、模仿真实的重大问题，为艺术赢得空前的地位，也为艺术家带来丰厚的利益回报。

文艺复兴后像丢勒、卡拉瓦乔、伦勃朗这些艺术家，都有赚钱赚到手软的时候。但这只是艺术价值提升迈出的第一步。

 

█    十九世纪末：往艺术里加点哲学

 

“艺术+科学”成为艺术的一种普遍规则。但是这一规则只是提高了艺术的现实地位。不能把艺术带向更高的价值、带向未来。

艺术必须寻找新的道路，真正发掘出艺术内在独特的价值，这样才能全面提升艺术的价值。

这时候冒出来三个天才人物，将把艺术带向全新的境界。他们是：塞尚、梵高和高更。

塞尚认为：眼见不一定为实，它应该受到质疑。

梵高认为：色彩、形状不是模仿自然，是表现内心的感受。“绘画是某人自己的神经系统投射到画布上的一种方式。”

高更认为：艺术必须回到单纯、直率，才能传递普遍的理念和情感。

解决生存焦虑，他们概括起来其实就是三句话：

回到真实（塞尚）

回到内心（梵高）

回到原始（高更）

他们三人的理念传达的是深刻的哲学洞见。所以，这个时期提升艺术价值的方式就是：艺术+哲学。

塞尚的回到真实，就是要找出我们观察事物的真实所见。

他认为他那个时代和之前的艺术都没能反映出我们的真实所见。之前的艺术是用透视的方法玩的视觉把戏，那种在画面上呈现的“立体的真实”其实是视觉的欺骗。

所以，要获取真实，不是从一个视角，而起码应该是从两个视角去看事物。

从此以后，塞尚四十多年绘画生涯，创作了几百件静物作品，都是从至少两个不同角度（比如正面、侧面或上面）去看一个物体。

他的这种多视角画法在一个母题上达到了极致：苹果。

为了画出不同视角的苹果，塞尚甚至在工作室里搭了个梯子。《有苹果和桃子的静物》就是这样一幅典型之作。

画面上的水罐是从两个不同视角完成：一个是平视，一个是从上方俯视瓶颈。画中的小木桌桌面则朝观众倾斜了约20度，以显示更多的苹果和桃子。如果按文艺复兴时期建立的精确透视法，这些水果肯定会从桌面滑落，掉在地上。

就这样，塞尚对传统视角的抛弃，获取的却是真实。

梵高的回到内心，就是要表达自己的主观感受、内心的强烈情绪。

以前那种所谓“模仿自然”的正确的表现方法，根本无法达到这个目的。所以，他要重新用色彩和形状来表现一种新的感觉。于是，梵高画中的一道道笔触，线条扭曲到疯狂，色彩耀眼到刺目，目的就一个——传达他内心强烈的激情，而且要带出每一个观看者内心最强烈的感受。

高更的回到原始，就是渴望人性中某种更单纯、更直率的东西。

为了寻找到这种高度纯真的艺术，高更逃避了文明社会，回到原始部落。

在原始部落，他找到了那种“原始”艺术，简化的形象轮廓，大片大片强烈的色彩，看起来非常粗野，非常原始。

塞尚、梵高、高更三人永远改变了艺术。

他们完全抛弃过去那种“模仿自然”的方法，打开艺术的想象之门，发掘了艺术内在独特的价值，从而为艺术开启了广阔的未来。

塞尚将艺术引向了立体主义、未来主义、构成主义和马蒂斯的装饰艺术。

梵高则开启了表现主义的大门。

高更引爆了各种形式的原始主义、以及野兽派艺术。

从此以后，艺术成了争奇斗艳、发挥想象、展现个性的竞技场，从而也引发了全球艺术大繁荣，艺术的市场价值指日可待了。

 

 

█    二十世纪末至今：往艺术里加点金融

 

从文艺复兴开始，艺术家通过“艺术+科学”，“艺术+哲学”的方式，使艺术具有了超越一般事物的价值（至少从表面看）。

但实现艺术的市场价值，还需要最后一步——艺术+金融。实现这一步，却要到二十世纪末了。

在20世纪80年代，艺术品价格扶摇直上，从原来的几十到一百万美元的价格迅速攀升到千万美元级。这一时期，各种基金从华尔街涌向艺术品。

纽约艺术品交易商理查德·费根在那时向全世界宣告：“我们在玩的是一种新的游戏，每一幅重要的画都会创下新的纪录，我们最终将会看到价值2000万美元的画。”

这一天没有等多久，1990年左右，就出现了接近1亿美元的画作。很快，2亿美元，3亿美元，到现在，最贵的画作是4.5亿美元……

这背后都是金融的力量！

同时，艺术品交易出现完善的分级市场。艺术家通过艺术经纪人出售新作，这是初级市场。从经纪人手中购买了作品的买家，如果再次卖出，将通过拍卖行出售，这是二级市场。

艺术家→艺术经纪人（画廊）→买家→拍卖行→买家，这是一套完整的艺术+金融的游戏规则。凡是参与艺术交易的人，都在遵循这个游戏规则。

在这套游戏规则中，艺术经纪人成为实现艺术品市场价值最重要的推手，这和我们的投行业务何其类似。

他们发掘有投资潜力的艺术家，其实就是寻找还没上市而且有价值的公司。为艺术家的作品寻找金主，实际就是为公司进行一轮又一轮的融资。最后，艺术家作品进入拍卖行出售，其实就是公司股票公开发行上市。

也正是有了艺术+金融这套规则，才出现了世界上最成功的艺术经纪人——拉里·高古轩。

美国人高古轩从1980年代开始从事艺术经纪业务，按照艺术+金融的规则，建立了一套非常成熟的实现艺术价值的策略：

不挖掘培养年轻的未成名艺术家

重点发现处于事业稳定期的艺术家、成熟艺术家与最具市场潜力的艺术家

凡是纳入自己旗下的艺术家，强力宣传并竭尽所能快速将其作品价格推抬到最高。

高古轩把艺术交易的游戏提高到一个前所未有的水平。目前，他旗下经营了15个艺术画廊，分布于纽约、伦敦、洛杉矶、罗马、雅典、香港、巴黎和日内瓦，还没有那个艺术经纪人能以这样的方式征服整个世界。

2010与2012年，艺术评论杂志评选出世界艺术影响力百人榜，拉里·高古轩分别位列第一与第二。

高古轩说：“太阳永远不会在我的画廊落下。”

在金融不断推高艺术价格的形势下，也有人在挑战原来的“艺术+金融”的游戏规则。

这个人就是达米恩·赫斯特。

2008年9月，达米恩·赫斯特迈出了重要的一步，他将培育他的强大的英国经纪人乔普林和美国经纪人高古轩完全抛开，将200多件新作品从工作室直接运到伦敦苏富比拍卖行出售。

也就是说，他将原来的游戏规则：艺术家→艺术经纪人（画廊）→买家→拍卖行→买家；变成了新的规则：艺术家→拍卖行→买家。

赫斯特的这一行为大胆而冒险，这是直接向乔普林、高古轩这些做市商的挑战。而且，他还把作品拍卖的日子定在了2008年9月15日。这一天，也是美国第四大投行——雷曼兄弟宣布破产的时间。

在这么严峻的外部环境下搞拍卖，我们不禁为赫斯特捏一把汗。也只能说，艺术家的行为，我们真心不懂。

但是，金融的力量就是强大，赫斯特的几乎所有的作品全部拍卖出去，拍卖总额超过1亿英镑，令人震惊！

这次拍卖和这次全球金融崩溃同时发生，标志了一个新时代的完成，在艺术+金融的规则下，艺术完成了自己的价值之路！

 

█    总结

 

最后总结一下，通过回望历史，我们梳理了艺术实现自身价值的三个重要时期：

第一：文艺复兴时期：艺术+科学，实现艺术地位的提升。

第二：十九世纪末期：艺术+哲学，实现艺术独一无二的内在价值。

第三：二十世纪末期至今：艺术+金融，实现艺术的市场价值。

这三个时期，一步步走来，艺术完成了价值的实现。

从这也可看出，完成价值的提升，享受成功的收益，从来就不是一件容易的事。它是一连串事件，一环扣一环，每个环节都需要付出巨大的努力，这样才能不断超越！